As músicas tocadas são muito diversas e cada uma precisava de diferentes condições de palco: as interrupções duraram muito tempo, mas os temas nos movem para mundos completamente diferentes. A primeira foi a canção de Paul Hendrich, “Parametros” (2015) no acordeão (interpretado por Rafal Luts), quinteto de metais e quarteto de cordas. O nome vem de duas palavras do grego antigo, pterón (pen) e pétros (pedra), em sua canção, o compositor queria lembrar o som de penas e de pedra, e alguns fragmentos foram realmente plumy, muito macio, mesmo traços parecia mais suave. 

O acordeão, o elemento mais interessante da nova composição de hendrich, foi nomeado para a liderança, o resto dos músicos o acompanharam. A faixa é agradável não só para o público, mas também para os músicos (na música moderna raramente podemos ver instrumentalistas que tocam livremente e com um sorriso, as partituras raramente permitem). Quero dizer: “bom começo para o concerto”, mas não é bem verdade. Depois de uma luz e zwiewnym Hendrichu encontramos um “”Hay que caminar” sognando” (1989) para dois violinos, a última canção, escrita por Luigi Nono. Esta composição é calma e requer atenção, muito pessoal e cheia de tensão. 

E para isso, uma linguagem que fala que não choca perversidade, gabar – se, uma abundância de sons, mas é diferente do que ouvimos todos os dias-refere-se aos meios tradicionais de expressão, mas o peso está algures fora da música. Na sala de concertos há oito mesas de trabalho com notas, nas quais os artistas devem fazer turnos para se aproximar. Isso se refere a homônimo errante (hay que caminar, que significa “um deve vagar”), Nono inspirado por uma inscrição na parede da Catedral de Toledo, que diz, “servi ao Senhor com temor, não há estradas, deve-se vagar”; o sognando é, por sua vez, em italiano (“sonhando”,”um sonho”). O desempenho foi ligeiramente interrompido por um sinal de telemóvel: outro elemento estranho, nada que corresponda ao foco que nos permite ouvir.In The Concert Studio PR.

Estamos a falar de uma elevada estética do ruído este ano, no outono. 

Estética, que em geral não deve estar presente no festival de música contemporânea, porque copes independentemente, sem o apoio de ninguém e presença em situações okołofilharmonijnych (sobre a submissão Merzbowa, o ruído clássico japonês tem mais no primeiro episódio do meu jornal de Outono de Varsóvia). Acontece que seu desempenho causou muitas emoções entre alguns; houve uma ampla substituição de comentários no blog da Sra. Dorota Szwarcman, até Tadeusz Wielecki, diretor do Festival, falou. É necessário dar parte das palavras do diretor do festival: 

Tadeusz Wielecki, 24 de setembro às 17: 36: “quero assegurar a todos que o outono de Varsóvia não busca e não vai se mover para a música pop. Merzbow no programa este Outono não veio de motivos populistas, apenas por causa do tema principal, como Dynamistatyka. [… O ruído teve que ser mostrado, porque é música-um objeto no qual o paradoxo do dinamismo vai além da própria situação da recepção auditiva. Pessoalmente, gênero que eu não gosto, mas, além das razões relacionadas com o tema deste ano, estou um pouco excitado didática aspecto: os fãs de Merzbow que caem no outono, em Varsóvia, apenas porque ele pode aprender, a propósito, que o ruído como uma artístico postulado não é uma invenção moderna, disse que mais de uma centena de anos, mas, mais importante que a música não depender exclusivamente de sentir esse fenômeno, propenso à reflexão. E talvez exclamem: “assim, toda a vida falou em prosa!?””.

[Aqui está o início da discussão, aqui está o seu desenvolvimento e a declaração do grande. Não é uma coisa que recomendo a todos que leiam, mas os chamados amantes e observadores da vida cultural na Polónia podem provocar. Para ler o seu comentário eu também convido]. Mas vamos voltar ao festival. Após o intervalo, fomos transferidos a bordo da nave espacial, que está no bordo da nova versão de” Akrai ” (2008/2015) Michael Pavelka. Na sala escura ouvimos um quarteto de cordas, um quinteto de metais e processamento de som eletrônico, que era controlado pelos próprios artistas. Nos pulsos foram instaladas Pulseiras luminescentes, que configuram os fotores que lêem o movimento da corda. Parecia um filme de ficção científica do final dos anos 60. 70. Quer dizer, delicioso. No início, a retro electronics prevaleceu, nós podíamos ouvir um monte de tons baixos, que na música moderna descer ao fundo. A narrativa desenvolveu-se lentamente e inquieta, como em um filme, logo depois que havia mais espaço para o violino, que em lugares soava como a” Polimorfia”de Penderecki. 

Da nave espacial fomos ao epicentro do quarteto de cordas, um instrumento que tem sido avidamente utilizado por compositores por cerca de 250 anos.

 “In Vivo” (2008-2011) Raphaëla Cendo é dividido em três partes. O primeiro se concentra na massa e textura do som, os instrumentos criados pela folha rzężą e creak, os músicos não encontram tempo para recreação, e ao longo de cordas irritantes para o som o som estava em movimento (parte é muito interessante). A segunda parte é aproximadamente a mesma, mas tudo é extremamente lento, como se você deixar ir de um disco de vinil em um ritmo ruim e ainda segurar a placa com o dedo para fazê-lo girar ainda mais lento (a parte é igualmente interessante). A terceira parte é o executor ainda mais assassina do que a primeira, desta vez, o compositor não se concentrou na saturação, mas também na divisão (escuta bem, mas dura muito tempo, não traz nada de novo nas duas partes anteriores). Música muito interessante, que está incluído no centro do som e do corpo-performer.Muitas vezes pensamos que o lugar onde vivemos está no mapa e rodeado por alguma fronteira, pertence a alguém. 

Da nave espacial fomos ao epicentro do quarteto de cordas, um instrumento que tem sido avidamente utilizado por compositores por cerca de 250 anos.No entanto, basta ir para a faixa de fronteira para deixar de se sentir confiante e à vontade, mas e os lugares com um estatuto transitório? “Nossa visão é se locomover de uma cidade enorme fachada do teatro Bolshoi no sul Koulunu, perto do Cais de Ferry Star, em Hong Kong, em 360 graus, durante todo o dia e toda a noite, nós jogamos uma espiral, girando a vista, que a música está tentando dar a esta incrível, de tirar o fôlego fachada para cobrir podupadające, extremamente triste, o estaleiro, a cidade, ouvir seu som, começamos cedo de manhã e olhar na direção Leste… ele escreve no primeiro quarto da auto-intitulada descrição da canção “Niemandsland” (2009) de Johannes Schelhorn. Esta é uma daquelas músicas que pode dizer excepcionalmente muito, causar um monte de pensamentos e imagens na cabeça do ouvinte, embora estes pensamentos são difíceis de expressar mais tarde.

Há uma anedota da vida de Schumann que pergunta O que significa que a sua faixa deveria dizer “isto” e apenas tocar. Pergunto-me o que diria Schelhorn numa situação destas. Todas as faixas piano está lutando por prioridade sobre uma equipe que nem sempre é possível, porque soa bem com os ossos do tambor. Mais uma vez, no outono deste ano, tive a sensação de estar a ouvir uma composição imbuída de jazz: entendida como música que tem uma forma invulgar, muita respiração, fisicalidade e virtuosidade instrumental. No sétimo dia do outono de Varsóvia pudemos ouvir o seminário Europeu sobre música contemporânea sob a direcção de rüdiger böhn, que copia perfeitamente com essa música.

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